Das Bild „Lampedusa“ ist in einem reduzierten Farbspektrum gehalten, das von Grau- bis hin zu weinroten Tönen reicht. Diese gedeckte Farbwahl erzeugt eine melancholische, beinahe bedrückende Atmosphäre, die dem ernsten Thema des Werkes gerecht wird.

Im Vordergrund steht die dunkle Silhouette eines leeren Stuhls. Der Stuhl wirkt verlassen und starr, fast wie ein Symbol für Abwesenheit oder Verlust. Er zieht sofort den Blick auf sich und wirkt wie ein Mahnmal oder eine stille Gedenkstätte.

Im Hintergrund sind schemenhaft Menschen angedeutet. Sie sind nur vage erkennbar, fast wie Schatten oder Erinnerungen, was ihre Anonymität und Verletzlichkeit unterstreicht. Ihre diffuse Darstellung lässt Raum für Interpretation – sie könnten Flüchtende sein, Menschen in der Unsichtbarkeit, auf der Suche nach Sicherheit oder bereits Vergessene.

Die Farbwahl – besonders die weinroten Töne – kann Assoziationen an Blut, Leid oder tiefe Emotionen wecken, während die grauen Nuancen eine Atmosphäre der Hoffnungslosigkeit oder Stille verstärken.

Insgesamt wirkt das Bild wie eine stille, visuelle Anklage und lädt zur Reflexion über Migration, Flucht und Menschlichkeit ein

Das Acrylgemälde Jazz Part One ist eine visuelle Interpretation der tiefen Verbindung zwischen Musik und zwischenmenschlichem Verständnis. Es stellt die Essenz des Jazz dar – Improvisation, Harmonie und das Zusammenspiel von scheinbar unabhängigen Elementen, die sich letztendlich in einem fließenden Ganzen vereinen.

Die Komposition könnte von dynamischen, geschwungenen Linien und Formen geprägt sein, die an musikalische Wellen oder improvisierte Melodien erinnern. Verschiedene Farbtöne könnten aufeinandertreffen, sich überschneiden und neue Nuancen bilden – so wie Musiker im Jazz miteinander interagieren, ihre Klänge verweben und aufeinander reagieren.

Die Farbpalette könnte lebendig und kontrastreich sein: Warme, kräftige Töne wie Rot, Orange und Gelb könnten für die Energie und Leidenschaft des Jazz stehen, während tiefere Blau- und Violetttöne Ruhe und Tiefe symbolisieren – die Momente der Stille und Reflexion in der Musik und im menschlichen Miteinander.

Das Bild geht jedoch über die Musik hinaus. Es spiegelt die Improvisation wider, die auch in menschlichen Beziehungen eine Rolle spielt. Verständnis und Harmonie entstehen nicht durch starre Regeln, sondern durch das Hören, Reagieren und das gemeinsame Schwingen auf einer Wellenlänge. So wie im Jazz keine Melodie zweimal gleich gespielt wird, so ist auch jede Begegnung einzigartig – ein Dialog, der sich im Moment entfaltet.

Jazz Part One ist nicht nur eine Hommage an die Musik, sondern auch eine Einladung, die Prinzipien des Jazz – Offenheit, Spontaneität und Harmonie – auf das Leben und die zwischenmenschlichen Beziehungen zu übertragen.

Jazz Part Two – Eine neue Variation der Harmonie

Das Acrylgemälde Jazz Part Two setzt die Auseinandersetzung mit der tiefen Verbindung zwischen Musik und zwischenmenschlichem Verständnis fort. Doch während Jazz Part One die Essenz der Improvisation und das Zusammenfließen scheinbar unabhängiger Elemente betonte, geht diese zweite Version noch einen Schritt weiter: Sie zeigt, dass Jazz niemals gleich bleibt – er verändert sich mit der Zeit, mit der Stimmung, mit der Perspektive des Hörenden.

Die Komposition enthält vertraute dynamische Linien und geschwungene Formen aus Part One , doch diesmal vielleicht mit einer anderen Betonung. Die Farbtöne treffen nicht nur aufeinander, sondern fordern sich stärker heraus, neue Spannungen werden erzeugt und dadurch werden neue unerwartete Harmonien geformt – so wie Musiker, die in einer zweiten Variation ein bekanntes Thema aufnehmen und es in eine neue Richtung führen.

Auch die Farbpalette hat sich gewandelt. Die Töne sind nun gedämpfter, subtiler – und sie strahlen in noch kräftigeren Kontrasten. Dort, wo in Jazz Part One Wärme und Ruhe in Balance waren, könnte Jazz Part Two eine andere Energie transportieren: ein Spiel zwischen Bewegung und Stillstand, zwischen Struktur und Auflösung.

Das Bild erzählt davon, wie sich nicht nur Musik, sondern auch zwischenmenschliche Beziehungen wandeln. Harmonie ist kein festgelegter Zustand, sondern ein Prozess, der sich je nach Kontext und Begegnung neu formt. So wie kein Jazzstück zweimal identisch gespielt wird, so klingt auch das Leben in jedem Moment anders – mal sanft, mal fordernd, aber immer voller Möglichkeiten.

Jazz Part Two steht nicht nur als Fortsetzung, sondern auch als eigenständige Reflexion über Veränderung. Es zeigt, dass Musik und Leben niemals statisch sind – dass jedes Wiedersehen, jedes erneute Hören und jede neue Interpretation eine neue Erfahrung bedeutet.

Gibt es Bewegung im Bild, oder herrscht eine unheimliche Stille?

Obwohl keine klaren Lebewesen zu erkennen sind, schwingt die Möglichkeit des Lebens mit. Der Kelpwald wird zur Metapher für verborgene Ökosysteme, für das, was sich jenseits unseres Blickfeldes abspielt. Das Gemälde fordert den Betrachter dazu auf, sich mit der Vielfalt der Lebensräume auseinanderzusetzen – nicht, indem es sie direkt zeigt, sondern indem es Raum für Vorstellungskraft und Reflexion lässt.

Kelpwald ist kein Abbild der Natur, sondern eine Einladung, über sie nachzudenken. Es hält sich zurück in seiner Darstellung, um umso mehr Fragen aufzuwerfen: Was bleibt verborgen? Was könnte hier existieren? Und wie vielfältig ist das Leben in Umgebungen, die wir nicht immer wahrnehmen?

Das Acrylgemälde Taler, Taler, du musst wandern zeigt eine Gruppe von Männern, die sich von dem Betrachter abwenden. Ihre Körperhaltung ist dicht beieinander, die Köpfe fast verschwörerisch zusammengesteckt, als würden sie über etwas Vertrauliches oder gar Geheimes beraten. Ihr Gesichtsausdruck bleibt verborgen, ihre Absichten unklar.

Die Farbgebung ist von kühlen, düsteren Tönen geprägt, um eine Atmosphäre der Undurchsichtigkeit zu erzeugen, oder von warmem, goldähnlichem Licht durchbrochen zu werden, das auf den symbolischen Reichtum verweist, um den es in ihrer Unterhaltung vielleicht geht. Die Art der Konturgebung – möglicherweise expressiv und unruhig – verstärkt die Ungewissheit.

Das Bild lässt Fragen offen: Sind diese Männer Finanzexperten, Banker, Spekulanten? Arbeiten sie im Sinne der Gesellschaft oder nur für den eigenen Vorteil? Das bekannte Kinderlied Taler, Taler, du musst wandern dient als ironischer Titel und verweist auf das ständige Fließen des Geldes – doch in welche Richtung? Bleibt es in bestimmten Händen, oder soll es sich eigentlich weiterbewegen?

Das Gemälde stellt keine eindeutige Antwort bereit. Es lässt Raum für Interpretation: Sind sie Verwalter des Wohlstands oder Akteure einer fragwürdigen Finanzwelt? Die verschlossene Körpersprache der Männer verstärkt das Gefühl, dass hier etwas vorgeht, das sich dem Blick des Betrachters entzieht – ein Moment, der von Macht, Geld und der Frage nach Gerechtigkeit durchzogen ist.